Hay algo inevitable en ver a Soda Stereo hoy: la música sigue intacta, pero la experiencia está atravesada por una sensación difícil de esquivar. Porque aunque la figura de Gustavo Cerati aparece en escena, lo que se vive está marcado por esa distancia entre lo que alguna vez fue y lo que hoy se reconstruye desde la memoria.
Por: Gabriela Torres
Fotos: Eme/Lotus
Desde el inicio con “Ecos” y “Juego de seducción”, el espectáculo deja clara su apuesta: una experiencia sensorial de gran escala. Luces, pantallas e imágenes en constante movimiento construyen un entorno visual dominante, acompañado de un sonido potente que envuelve al recinto completo. El impacto es inmediato, y aunque por momentos lo visual parece imponerse, la respuesta del público se mantiene firme, conectando desde el primer minuto.
Uno de los golpes más profundos de la noche llega con “Hombre al agua”. La sorpresa se transforma rápidamente en un momento cargado de significado, casi como una daga directa al corazón de los asistentes. La emoción es palpable, transversal, y por instantes la canción parece adquirir un nuevo sentido. Ya no es solo parte del repertorio: se percibe como un mensaje abierto hacia Gustavo Cerati, generando un vínculo íntimo que se comparte colectivamente entre miles de personas.
“Ella usó mi cabeza como un revólver” marca uno de los puntos más altos en intensidad. Apenas suena el primer acorde de guitarra, el Movistar Arena estalla en un grito inmediato, casi instintivo. Es un momento que corta cualquier distancia y devuelve esa sensación de estar frente a algo completamente vivo. La interpretación avanza con tensión y dramatismo, reafirmando su lugar como una de las composiciones más poderosas del repertorio de Soda Stereo.
El repertorio también ofrece espacio para el rescate y la sorpresa. Canciones como “Luna roja”, “Planeador” y “Ella usó mi cabeza como un revólver”, ausentes de los escenarios desde 1997, regresan como verdaderos hitos para los seguidores más atentos. A ellas se suma “Toma la ruta”, que no se interpretaba en vivo desde 1993. No son elecciones al azar: su inclusión amplía el relato del show y conecta con una etapa menos revisitada del catálogo de la banda. Son momentos que se reciben con especial atención, casi como piezas recuperadas que vuelven a cobrar vida frente a un público que las reconoce y valora.
“Cuando pase el temblor” se transforma en una experiencia completamente inmersiva, con visuales en 3D que envuelven al público y refuerzan el carácter sensorial del espectáculo. Más adelante, “En el séptimo día” marca un punto de inflexión en la energía general, elevando la intensidad y consolidando una conexión más directa con la audiencia. A partir de ahí, el show encuentra mayor fluidez, especialmente en canciones como “En la ciudad de la furia” y “Persiana americana”, donde el público responde de forma masiva y sincronizada.
Pero es con “Un misil en mi placard” donde el tono cambia nuevamente. La emoción se vuelve más íntima, más contenida, y se traduce en lágrimas visibles entre los asistentes. La nostalgia aparece sin filtro, y la canción se convierte en uno de los momentos más humanos de la noche. Ahí, el espectáculo deja de lado cualquier despliegue para centrarse en lo esencial: la conexión emocional con una obra que sigue resonando con fuerza.
“Zoom” devuelve la energía con un público completamente entregado, reafirmando su lugar como uno de los momentos más encendidos de la noche. A partir de ahí, el show mantiene un ritmo sostenido, alternando intensidad y atmósferas, sin perder la conexión con la audiencia. Más que apoyarse en momentos específicos, es en ese tramo donde el concierto logra afirmarse desde la respuesta del público y la fuerza de un repertorio que sigue generando impacto.
En la recta final, “Primavera 0” y “Prófugos” preparan el terreno para un cierre que se apoya directamente en la memoria colectiva. Durante “De música ligera”, Zeta Bosio aparece en la parte trasera del recinto mientras se proyectan imágenes de archivo de la banda, generando uno de los momentos más significativos de la noche. La reacción del público es inmediata: canto unificado, emoción visible y una conexión que trasciende cualquier recurso técnico.
Más allá de su despliegue visual y sonoro, “Ecos” funciona como una experiencia atravesada por sensaciones múltiples. Hay impacto, hay energía, pero sobre todo hay una constante emocional que se instala en distintos momentos del show. Porque si algo queda claro, es que estas canciones no pertenecen solo al pasado. Siguen vivas.
Y en esa vigencia, en esa capacidad de seguir emocionando, es donde la obra de Gustavo Cerati encuentra una nueva forma de mantenerse presente.
